尋夢新聞LINE@每日推播熱門推薦文章，趣聞不漏接❤️
「依托XR技術全流程輔助用戶達到沉浸虛擬的感受，如同電影《頭號玩家》中的場景，通過構建一個虛擬的世界，和現實世界相互作用，最終呈現虛擬與現實的融合……」
這些充滿高端科技感的語句描述，聽起來像一場新科技發布會，但實際上，這是在解釋一場演唱會。
隨著國內疫情的好轉，電影、電視劇、綜藝等領域都早已有起色，唯獨對演出行業的打擊，短時間內很難恢復。尤其是演唱會，本就是在追求現場感，一票難求、燈牌大戰、全場合唱等這些多年來討論的議題，幾乎都不復存在。取而代之的是暫時性線上演唱會，但不論是國內還是國外，線上演唱會依然處於摸索階段，觀眾對演唱會的需求，主要是對現場氛圍的感受，對現場演唱的享受，而線上演唱會最多只是滿足歌迷的聽歌需要，很難將這和上網聽歌區別開，如安在線上演唱會上取得突破，是行業內共同追尋的議題。
THE9「虛實之城」演唱會海報
3月12日，愛奇藝宣布，《青春有你2》裡出道的偶像組合THE9將於3月26、27日舉辦「虛實之城」沉浸式虛擬演唱會。這場演唱會，首先是一場線上直播演唱會，但觀眾不僅會看到網路直播這麼簡單，XR沉浸式虛擬技術將利用新科技推出新的演唱會玩法，9位女孩突破自我的故事會具象化地呈現在觀眾面前，每個成員都有一座屬於自己的「城市」，並在其中表演詮釋自己的歌曲。
XR技術，是一種融合VR（虛擬現實）、AR（增強現實）、MR（混合現實）技術的擴展顯示技術。VR，能讓人完全沉浸在虛擬環境中；AR能創建一個疊加在虛擬內容的世界，但不能與真實環境交互; MR則是虛擬與現實的混合體，它能創造出可以與真實環境交互的虛擬物體。最後，XR則是包括三種「現實」（AR，VR，MR）的技術。在XR虛擬技術的使用現場，無實景、無綠幕，實時渲染場景，表演者在LED螢幕所構建的空間中進行表演，而觀看者則能夠在三種技術疊加之下，產生表演者真實地在一個室內或戶外環境裡表演的感受。
這些聽起來的抽象描述，不到直播那一天，恐怕很難具體理解其中意思。但在這一年線上演唱會領域探索中，愛奇藝的此次創新，算是一次走在前沿的嘗試。
虛擬城市圖
尤其THE9是偶像組合，偶像組合的演唱會是粉絲和演唱者互動最緊密，粉絲要求最高，也最在意觀眾氛圍。將線下演唱會搬到線上，並不僅僅是用照相機和網路那麼簡單就能讓粉絲買單，比如和偶像如何互動才能讓粉絲滿意度不輸線下？燈牌應援這類粉絲需求怎麼得到滿足？粉絲是否對這場虛擬演唱會心甘情願掏錢並得到好的體驗？XR沉浸式虛擬技術能給舞臺表演帶來怎樣的變革？這些都是創新嘗試必然要解決的問題。
對於這場依靠新技術探索線上演出領域的演唱會，澎湃新聞採訪了愛奇藝副總裁，智能制作部負責人朱梁、總制片人楊海濤、執行制片人吳磊和總導演譚寅子，聊了聊有關這場演唱會的策劃、設計、XR的新技術在未來能否真的用在更多線上演出等話題。
「我們發現美劇《曼達洛人》用虛擬制作拍的，虛擬可以替代現實；第二個是看到迪士尼上了個音樂劇《漢密爾頓》，把音樂劇搬到了線上，票房收入和行業的影響力特別大，第三，整個疫情期間線下演出行業都停了。」愛奇藝副總裁朱梁這樣解釋促成這場演唱會的原因。總制片人楊海濤也表示，國內外不少藝人的線上演出都比較「初級和原生態」，因此愛奇藝團隊並未急著跟風 ，「我們先是研究，大家的優點是什麼，不足是什麼。」
觀望和研究持續到去年五六月份，最終，他們選定了幾個方向，「第一個是虛擬制作，第二個方向是直播，第三是給用戶陪伴感，要有互動。這三點都是基於與線下演唱會的對標，再大牌的歌手，線下唱完後，演唱會在網路的回放數量都不大，粉絲還是想要現場的感受。」楊海濤解釋。
最初的投入是從硬件著手，建虛擬制作基地，「因為硬件投入之後，不僅僅是做一個演唱會、演出，未來它是愛奇藝全產業鏈裡虛擬影視的拍攝。」楊海濤解釋。
斯芬克斯
到去年9月左右，THE9的演唱會被確定為要運用虛擬技術的演出。這其華夏因不問可知，THE9是自家偶像團體，執行制片人吳磊坦言，如果當時要迅速給THE9做一場線上直播演唱會，籌備周期可能一個月就可以了，但他認為，「這是對THE9不負責任的。」
總導演譚寅子回憶，從去年9月開始，整個導演組就開始進行技術培訓，「我們要知道拿到手的這個武器是什麼樣的使用方式，它能夠達到什麼效果。培訓大概有三四輪。」
經過這個漫長的培訓期，譚寅子也感慨，對於技術壁壘的突破或許是XR技術未來廣泛運用中可能遇到的最大問題，「所有的創作人員要變成一個技術控，很多藝術家們要變成懂技術的藝術家。進入XR這個行業門檻一開始就很高，因為你要懂它內在的邏輯和基本技術的知識，未來它的使用場景會越多，對行業的人的要求也會越高。」
經過兩個月的籌備、技術排期和培訓，去年11月，團隊和THE9的成員們開始了溝通。「線下空間很有限，變化也沒有那麼多，只能說我希望我是黑白的，是不是能有個激光，只能在效果上做一些變化。這一場是整個空間可以千變萬化的，她可以造一個她想像中的場景。」譚寅子介紹，比如劉雨昕不想要Old School的風格，喻言喜歡暗黑的風格，陸柯燃喜歡有異域風情的元素……
Lion
實際上，在XR虛擬演唱會中，更令人好奇的是堪比線下看演出的互動體驗感。
演唱會看的是什麼？花錢買前排是為什麼？當然是為了感受歌手的現場，也和眾多歌迷同處一個空間，尤其對於偶像團體的演唱會，情緒價值非常重要。這些是線上演唱會能提供的嗎？
「我也經常看演唱會，但是我買了第一排的票，也很難真正跟我的偶像去做特別強的互動，畢竟第一排和舞臺還是有很遠的距離。但在虛擬演出過程中，真正能夠讓粉絲從心理上感到他跟他的偶像去互動。」楊海濤表示，和線下相比，XR虛擬技術下的互動相比線下演唱會只會增加，他介紹，他們設計了一個叫「Avatar」 的虛擬娃娃，就是粉絲應援的一個強體現，「在這個過程中，通過跟粉絲的互動打賞，粉絲有一種坐在包廂裡的感覺。」
官方應援棒
其次，是粉絲文化中的應援設計。楊海濤介紹，他們同樣也做了線上虛擬應援棒，「這個應援棒我們通過遠程技術的控制，程序的控制，發出的光線跟舞臺的光線會同步的。」更重要的是，虛擬娃娃和應援棒是可以自己組隊的，組完隊之後，應援棒和虛擬娃娃的節奏控制可以同步，相當於在線下演唱會上粉絲的「燈牌大戰」。楊海濤表示，從虛擬娃娃到應援棒到可以組隊，都是XR可以提供的「粉絲感受」。
除此之外，這次演唱會最吸引人的地方，是會有325個粉絲直接能通過線上連線，有機會一對一和愛豆一起做遊戲，一起聊天，「這個互動，我相信很多線下演唱會都做不到，你很少有機會和臺上的偶像單獨說話。」
執行制片人吳磊也感慨，在前幾天的測試中連線了300個粉絲，他發現，現在年輕人不會像以前一樣在電視機前看東西了，這種連線對年輕人非常有吸引力，也符合他們的用戶慣性。
《Dumb Dumb Bomb》
即便有以上這些對標線下演唱會的優勢，但觀眾要求的現場感還是沒能解決，總導演譚寅子總結，其實線上和線下演唱會本就是兩個賽道。疫情結束並不代表線上演出就會逐漸再次消失。
「它們兩個不會說此消彼長，它是另外一種不同的體驗，我以前做線下演唱會的時候，我們更多是說現場觀眾聽到這首歌，以及是不是有可能大合唱，他在現場感受到身邊人的熱情氛圍。線上是完全不一樣的邏輯，線上我們會讓它有更多的針對於這個視覺能夠傳遞給他的沖擊，這是一個側重點。另外我們會開放更不一樣的互動體驗，如果被抽中和明星一對一聊天，反而比線下他離明星的距離會更近一些。線上和線下不沖突，只是他們的體驗感和體驗的方式不太一樣。線下演唱會和XR線上演唱會並不是兩個互相排斥的非A即B的關係，是可以互相包容、互相補充的關係，XR技術補充了我們對舞臺更多的想像，大家可以看到更好的視覺體驗。」
【對話】
「THE9很知道自己想要什麼」
澎湃新聞：和線下演唱會相比，虛擬演唱會最大的不同和最困難、最有挑戰的事情是什麼？
譚寅子：側重點不一樣，線下可能更多的是執行力，我更多的是基於實際，比如我定了要做一場鳥巢的演唱會，我需要到鳥巢實際看現場，我需要測量舞臺的長寬高、承重，以及觀眾的座位，他的視線是怎麼樣。如果是虛擬的演唱會，給了我巨大的空間，其實它是對我的想像力的一種挑戰和開發，突然給你非常大的權力的時候，你能把舞臺塑造成什麼樣，完全是靠你自己的腦子，這個過程和線下是最不一樣的。我們當時也在想，要不要這十幾首歌曲有勾連，他們是不是需要在同一個場景裡？要不要給它造一個世界觀？怎麼和藝人的風格進行匹配？
後面的部分更多的是對技術難度，的確國內也沒有做過這種純XR的線上直播，我們現在在不斷進行測試，以保證直播過程中不出現任何問題。
《獵》
澎湃新聞：想像力的靈感來源大概是什麼？和THE9的溝通大概是什麼樣的？
譚寅子：我非常明確地感覺到，她們對自己的歌曲有非常執著的想法，很知道自己想要什麼。比如非常希望有一個異域風情的，希望有一個王座，甚至細節到logo上，有一個槍打出來的槍眼，她們的需求非常明顯。我要做的是，在這個基礎之上，給她們設計一個完整的場景和故事。
我們進行了非常多輪的溝通，前期會做一些手稿給她們看，後面會做一些小的片段、範例、小樣，大家去交流，最後整個歌曲完成的成片，大家也會去看。因為是XR立體的，會讓我們的工程師在測試的棚裡做一些演繹，在森林裡面的走動到底是什麼樣子。
我們整場所有的歌曲的風格不是很一樣，包括他們的場景化也不一樣。但是我不能只是存在於每一首歌做好了就可以了，XR給了我更大的空間，讓我把每一首歌的樣子串起來，像一個無限的有更多立體感的未來城市。
比如整個這個城市是有縱深的，從天上的星球到地面到折疊區域，到地下，以及某一個小小的電話，我力求讓每一個表演之間會有勾連，其中有一個表演，是在一個樓頂的天臺上，在這個天臺上後面透過去的一些景，就能夠看到下一首歌。可能是劉雨昕表演的一條高速公路，或者是謝可寅會在一個星球上，這個星球其實在這個天臺表演時，遠遠的，後面有個星球。她們所有的場景都是聚合在一起的，是真正的立體的整合體的城市空間，每個人有她自己的一片領地，可以彼此遙遙相望的感覺。
XR的技術手段，能讓我的想像變成現實的可呈現的東西。我們有兩首非常寫實的XR的場景，一個是森林，一個是獅身人面像。如果是線下表演，基本上我只能把這個背景放在大屏上，但在這個寫實的XR裡，我給她們建立了一個森林，女孩們坐著車，在這個森林裡穿越，她中間可能會路過一些倒了的樹，會路過一些石頭的巖壁，會有一些樹從她的前面滑過去，或者能讓你真的覺得，獅身人面像就在你旁邊，我能夠看到獅身人面像臉上所有的坑坑窪窪的地方，甚至你覺得，可能它的眼神好像就在看你，包括火把附近的熱空氣，都是不太一樣的。它會讓你覺得，你就在這個場景裡，非常有包裹感，極其真實。這個在以往的舞臺場景裡，是沒有辦法想像的。
《Not Me》
澎湃新聞：粉絲到現場去看和在線上看，感覺會有所不同，即便你設計得再好，可能還是給很多人一種看MV的感覺。你是怎麼看待XR演唱會對於粉絲和偶像之間互動的關係？
譚寅子：我們這場演唱會做了非常多互動的創新，比如我會有325個觀眾，可以通過1V1的線上連線到這個螢幕上，這325人中，將有六名「幸運兒」被抽中和藝人進行面對面的談話。如果是在線下，大家沒有辦法刷那麼多的存在感。
澎湃新聞：整個過程當中涉及到的工作人員和你投入的精力，和線下相比是完全不同，還是說精力上差不多？
譚寅子：相比來說，可能還是這次稍微投入更多，其實這次我不光要負責現場舞臺，原本線下演唱會的工作是不變的，還要把它變成純XR。15首歌，我就要做15個舞美的XR設計，這個部分工作量是會翻倍的。
「任何技術的推進，必然面臨成本的衡量」
澎湃新聞：虛擬演唱會的投入和線下演唱會相比大概是什麼比例？
楊海濤：這種不太好去比，所有的投入成本前期投入應該是會比較高，但是隨著這個技術的成熟，我們後續的邊際成本會逐漸降下來。
吳磊：這個模式，我們踩了很多坑，也做了很多新的嘗試。制作能力本身是有一個長尾效益的，比如說我們年初做的「為愛尖叫」晚會，你會看到裡面有多畫面的選擇，跟傳統是不一樣的，第二個，你會看到真人秀，傳統的晚會裡你看不到。像《隱秘的角落》的番外片，可能就是一個戲劇，我們在內容層面上一步一步在做探索。
澎湃新聞：最大的資金投入是哪塊？
楊海濤：在技術研發這塊，包括了硬件的投入和軟體的研究。為虛擬制作投入的資金過億。第二是內容開發的成本，不是簡單的演唱會，歌曲編排再加上伴舞舞蹈、燈光、舞美，投入很大，困難也多。另外，也包括底層一定要解決的票務開發。
我們現在開發的雲票，有很多國內現在沒有的技術。舉個簡單的例子，你買了票，你可以有跟實體票一樣可使用的場景，你可以轉贈，隨手送給你的朋友、家人，轉贈過程中特別流暢。第二，使用權利的方面，因為演唱會跟你在網上點播一個東西的邏輯還不太一樣，在這些方面的創新和研發會投入比較大。
吳磊：補充一下，我們做雲票的支付方案，跟傳統的長視訊的支付不太一樣，包括跟大麥、貓眼買的線下票也不一樣，大麥、貓眼你買個紙質的票，我們這裡，你買個票，裡面對應的不同的權益，你還可以送。
澎湃新聞：在定價考慮上，很多人會覺得，我怎麼可能會跟線下花一樣多的價錢去看一個線上演唱會，大多數人不是特別能夠理解這樣一個邏輯。
楊海濤：這應該是一個逐漸（適應）的過程吧，就像我們愛奇藝的會員定價一樣，最早我們定價愛奇藝會員是5塊錢，對標的是當時的盜版，到現在我們付費的會員基數程度越來越高。我相信在線演唱會對於所有的觀眾來說，我們首先解決的是，他能感受到一場高品質的演唱會，高品質的演唱會，不只是說你坐在體育館裡才能感受，在你的技術和播放非常完美的情況下，他同樣在螢幕上可以感受到，而且這個螢幕上是互動的，互動讓他有了真實的伴隨感。那麼他最終接受我們的定價，也就不是一個難題。
這次定價，我們討論了很久，從經紀公司到對行業內的一些調研，做了很多工作。實際上，我們現在的票價，對於粉絲來說，還是非常好接受的，比如我們的高價票到目前為止基本上已經快賣完了。
演唱會的售票頁面
澎湃新聞：怎麼看未來的技術和成本方面的一些平衡。
朱梁：任何技術往前推進的時候，必然會面臨成本的衡量，我們可以看到從LED開始進入到廣告領域，包括演唱會的領域，性能在不斷上升，但是成本又在飛速下降。據我所知，現在至少已經有200個攝影棚，在北美地區開始裝配LED拍攝的方案了，這會是一個非常大的潮流，當這個市場起來以後，會有很多的LED廠商關註到這個市場的需求，降價是毫無疑問的事，我相信未來的解決方案會越來越多，價格會越來越便宜。
澎湃新聞：這可能是疫情的特定契機之下，行業去研究的方向或者新的形式，等疫情過去了，你認為這會是一個未來的趨勢嗎？
楊海濤：我覺得會，這是一個用戶的習慣問題。以前大家覺得，在電影院看電影和在手機上看電影是兩個概念，但是現在都存在，各自有各自的使用場景。
澎湃新聞：THE9畢竟是個偶像團體，粉絲願意為愛豆花錢，如果是一個更大眾向的歌手，會不會願意買的觀眾就沒有那麼多？
楊海濤：我們會不斷拓展業務范疇，未來可能有很多舞台劇會用這個方式去做，這種現實生活中相對較小眾的，偏文化的，高端的藝術形式。
因為這個技術主要在乎內容創作，不是這種強愛豆的，歌手一樣有他的粉絲。我們以後主要會有強劇情、強內容的作品，給到用戶的是內容的消費。
吳磊：如果用綠幕，周邊的環境對於這個角色的影響，幾乎可以說是完全沒有，非常假，沒有沉浸感。但是LED的環境，給我們造成這樣的可能性，可以在我們身上、皮膚上、穿戴上做出各種投射，給我們增加真實感。這是很大的優勢。
在未來，我覺得不僅僅是演藝行業，會改變我們整個電影制作，包括所有的實景拍攝的部分，它可以作為重要的補充，你說它能不能完全替代實景拍攝，我覺得要存疑的，畢竟是有空間的限制，但是它能做到實景沒有辦法帶給你的那種視覺感受，包括空間的轉換，還能提升我們的制作效率，促進我們全球的協同。
我們的主創人員，不一定非得在同一個物理空間當中，就可以協同地把這個節目或者是這個片子拍出來，不僅僅是商業大片，還有文藝片也可以用這種方式來做，是後期前置的概念。先有想法，我們再實現一點，方案都定下來以後，現場的執行相對要靠譜得多，也沒有什麼可改的，最終出來的結果就會很快，而且會很好，這個會改變整個制作行業的生態和生產關係，是一種更大的變革。
(本文來自澎湃新聞，更多原創資訊請下載「澎湃新聞」APP)